刍议歌唱艺术的魅力

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一、强化乐感的表演技巧

要把歌唱得优美、动听,使听众喜欢听,听起来令人感动,真正体验到这是一种人声音乐美感的愉悦享受,这就要求歌唱者具有良好的艺术表演才能.包括音乐上良好的基本修养(好的乐感)和美妙的歌喉,这只是艺术歌唱充分展现它的艺术美.因此,分析,研究音乐艺术表现与情感表达的规律,掌握和充分运用它的表演方法,是歌唱者学习的重要课题.这里,着重谈一谈音乐艺术的表现手法――强化乐感的问题.

我们在听到某位歌手演唱时,差不多总提到“乐感”好不好的问题.所谓“乐感”就是演唱者或演奏者表现音乐的美感.有的歌唱者乐感很好,什么歌让他(她)一唱便朗朗上口、悦耳动听.有的人却乐感很差,尽管音准、节奏和嗓音都不错,可是唱起来听着“不是味”.“乐感”好坏是不是先天的呢通过后天的学习是否能强化乐感呢

乐感好坏和人的先天条件有一定关系.从人的先天生理条件来看,有的人天生有一副“音乐的耳朵”,对音准、节奏、乐感有敏锐的辨别力,而且又有很强的模仿力,听得准又唱得准,对另外一些人来讲,却不具备“音乐的耳朵”,听不准也唱不准,天生“五音不全”,这种人不具备学习音乐特别是学习声乐的条件.除了这种先天条件之外,乐感的培养和后天的音乐教育有密切的关系,特别是幼儿早期的音乐教育.有很多这方面的例子:从小学习钢琴,成人以后学习声乐时他们的乐感往往胜过一般人.一个从小喜爱音乐的人和一个20岁以后才接触音乐的人,在学习声乐的乐感表现力上差距很大.这说明,对有“音乐耳朵”的人来说,常受音乐的熏陶,不断学习他人演唱中优美的乐感,是提高自己音乐美感表现力的重要途径.

一般来讲,乐感包括以下几个方面的内容:

1.音准感

歌曲的旋律乐音,是由不同音高的乐音组成,通过调式全音、半音组织起来,形成一定的音程关系,从而构成具有欣赏价值的音乐旋律线条.旋律中的每个音符都具有固定音高,音的准确度决定着旋律的美感.演唱者的音准感越好,表现的旋律美感越强.因此,音准感是乐感表现力的最重要的条件.若音唱不准,达不到音乐表现最起码的要求,乐感表现力也就无从谈起.

2.节奏感

这里所说的节奏感并不完全是“节奏“的概念.节奏感是演唱者能根据节拍速度的要求表现节奏和速度的稳定和随节奏变化再现的灵敏性和适应性,并能够自然地表现节拍重音与非重音的强、弱感.演唱者如果在同一节拍速度中演唱,缺乏均速的稳定感,速度忽快忽慢,不是赶节奏就是拖节奏,或是在后半拍与切分中拍子唱不准、进不来,这些都属于节奏感差的现象.只是具备音乐节奏均速的稳定感和随节奏变化表现出灵敏性和适应感强的人,才能在演唱的节奏中表现出很强的乐感.

3.旋律感

歌曲音调的旋律同演唱时表现的旋律感也不完全是一回事.歌曲音调的旋律是由音符节奏、节拍构成音乐起伏的基本框架.演唱者把谱子准确无误地唱对了,并不一定能唱出歌曲的旋律感来.因为,按谱子唱,容易把旋律唱得死板,这种演唱也叫“唱音符“,往往容易把音的连接唱出棱角来.

在歌唱的音乐进行中,不同的音乐风格对旋律感的要求有所不同.进行曲风格的作品音乐的棱角突出,而抒情风格的作品,总是用不易察觉的连音过渡将前一个音与后一个音相连接,从前一个音符过渡到后一个音符时,前一个音便成了后一个音的装饰,或上滑(从低向高演唱),或下滑(从高向低演唱),有时用语音的“四声“装饰,于是这种略加装饰的圆滑的过渡,便将音与音”台阶式“进行的棱角抹掉,旋律线条就变得圆润而又连贯了.除滑音、装饰音之外,倚音也能起到美化旋律的作用.懂得运用这些强化旋律感的方法歌唱者就可以避免出现”唱音符“的毛病,从而,增强乐感的表现力.

4.律动感

音乐是时间的听觉艺术.随着时间的进行,音乐旋律中的每个音都在不断延伸、前进.并且,在人的听觉里留下瞬间的又是连贯的音乐记忆.优美的乐音和不协和的乐音甚至噪音,能塑造不同的艺术形象.无论是哪一种用来表现音乐的声音,它们都有一个共同的特点:有种内在的、永不停息的、令人激动的音乐的涌动感,这种不断流动的音乐涌动感就是音乐的律动感.律动感,是音乐前进内的动力.即使表现极为宁静的意境,在节奏进行极为平衡、缓慢明,演唱者都要在内心把握住律动感受的节奏.

没有律动感的歌声,是一种停滞的、僵死的声竟,这种不流动的毫无生气的歌声必然缺乏优美的乐感和强列的艺术感染力.

心理上有前进运动的感觉和声音正常的颤音,是歌唱者产生律动感重要的前提.

5.音韵感

无论是欧洲的古典音乐,还是我国民族的古典音乐、现代音乐,这些音乐都表现出了鲜明的时代特征和艺术风格,演唱者通过不同的音乐韵味感觉表现出这些音乐特色,就是我们所说的音韵感,它是乐感表现最重要的表现方法之一.

所谓音韵感,说通俗点,就是音乐的韵味.唱京剧要有京剧的韵味,唱民歌要有民歌的韵味,唱西洋古曲声乐作品,自然要唱出西洋音乐的韵味.唱不出味道,音乐的特点就无从表现.所以在学习音乐时,必须强调音韵感的培养.

沈湘教授说过:“唱东西要有味,唱什么像什么,西洋古典声乐作品,18世纪以前的作品和19世纪以后的作品风格味道都不太一样,不能唱出一个味道来“”音乐的‘味道’是熏出来的,要多听,听得多了,就知道什么时候的作品该用什么‘味’来唱了.

沈湘教授对学生在表现欧洲古典声乐作品时特别强调风格韵味的特点表现.他告诉了我们一个培养音韵感最重要的方法,首先是听觉的培养.对于一个从来没有听过京戏的人,你让他(她)唱出京剧的韵味是不可思议的事情.

进行听觉培养音韵感受的时候,要留心旋律线条的进行方式.什么地方有滑音(上滑与下滑)什么地方用装饰音,什么地方拐大弯,什么地方拐小弯,要留心听,用心记,久而久之,就能听出音乐的“味道”来.

6.语气感

为了在歌唱时更好地传情达意,演唱者要了解语气感的表现方法.一方面,演唱者在歌唱时要控制咬字吐词,使语气的表达和情感相吻合,恰当地处理语气的轻、重、缓、急,由此体现出切合实际的语气分寸感,另一方面,演唱者要表达热烈的情绪或愤怒的情感,就使用强化语气“喷口”力度,以此夸张语言的方法,使情感表达更有力量.所以,歌唱者通过咬字吐词来体现的语气分寸感,使语言的情感色彩增强,也使声乐艺术美感达到声情并茂的境界.

有了音准感、节奏感、旋律感、律动感,音韵感,再加上语气感,乐感的表现内容就全面了.演唱的歌曲不仅好听,而且要唱出来独特的韵味,这样才能达到专业高水平的要求.

二、心灵的投入与真情的流露

演唱时能够使观众赏心悦目、激动、倾倒,需要演员的歌唱表演达到“字正腔圆、声情并茂”的境界,这是一种集音乐、语言、情感完美结合的声乐艺术.著名京剧艺术家程砚秋先生曾经说过:“作为一个演员来说,如果没有感情,就只能是一个歌唱匠人,而不能成为一个艺术家.‘歌以咏言,声以宣意’,‘哀乐托于声’.足见歌唱艺术不是为声韵而声韵,而是通过声音,将词的意思、感情表达出来.随着情感的差异,戏曲唱腔和演唱艺术就能千变万化、光彩夺目,”“演员要将自己深入到唱词的情景中,而不能将声音、词意和感情三者割裂开来.”

在演唱中,怎样能够达到“声情并茂”呢

这里最重要的途径就是歌唱者通过心灵的投入与真情的流露,达到“声情并茂”的艺术效果.

一些演唱者,能熟背歌词,但是不能深入.这样演唱者表现的情感也就显得苍白无力,因为他不能描绘生动的意境,也不能表达深刻的情感,脑子里一片空白.出现这种现象是因为,歌唱者演唱一首新歌前,没有深入、细致的分析和研究歌词,深入揣摩歌词的意境及表达出来的情感.这种演唱等于死记硬背,不可能表达出情景交融的意境,另外,也有一些歌唱者看重的声音而忽视情感,唱出的声音很美,但是不能令人感动,因此,不能引起听众的共鸣,如果歌唱局限于技术,而没有情绪表现的话,无论技术多么完美,这样的歌唱既冷漠、苍白,又没有灵魂,甚至连技术的完美也是达不到的.一些歌手,表演外文歌曲时,看重的是原文拼音发音的准确性,很少在原文词意上下功夫,结果常出现词不达意的现象.如果不明白外文原文的词意,怎么能够准确地表达出相应地情感呢

“深入到唱词的情景中”,需要认真、细致地分析歌词的意境,要搞清楚哪些是叙事的,哪些是刻画心理的,要在脑子里牢牢地把握住歌词的意境.这些是进行歌唱前期准确是必不可少的.这样做可以避免出现词不达意和不知所云的现象,反之,就会在观众面前闹笑话.

艺术的伟大法则是情感,也是艺术的灵魂.没有情感的歌唱就不是艺术,只有当声音和情感同样完美时,歌唱才能被称为艺术.如果一个歌手向观众表达感情,但无法表现出他本人已深受感动的话,即使他力求打动观众的心,也是无济于事的,因为感情主要是通过感受来表达的,这种感受是情绪的内部心理状态.如果不会表达思想感情的歌唱者只能算做“歌唱匠人”.在演唱时,歌曲的审美内涵、精神内容,必然通过歌唱的情感体验而溢于言表,产生于心动、情动、形动.首先是演唱者被演唱的作品中所描写的情景、人物、故事所感动.演唱中,将这种感动生动的、深情的、声情并茂的表达给观众,使观众被演员真情所感染,产生心灵上的震撼.

艺术表演者追求的目标与效果就是要感动别人,是演员进行艺术创造所需要的内心感染力,这需要演员的心灵投入.演唱者如果缺乏对情感、角色、景物的欣赏,就会缺少创作的热情.在冷漠的心境下,是不能创作出好的作品的.真情实感的流露需要真情的投入,不然,一切的表演都会是失败的,达不到较好的效果.表演中出现的“无病”、“皮笑肉不笑&#

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所以,演唱者要唱好一首歌,就要深入歌词,使自己置身于歌词的创作中,深入体验,受其感染.如果演员达到忘我的境界是最好的.忘我的境界是很难达到的,如果演唱者按照“要想感动别人,先要感动自己”的原则做事,一直朝着这个方向努力会很容易接近目标的.

演员在舞台上做到流露真情,和现实中的真情实感是分不开的.在歌词创作中的思想情感要以生活为依据,是一种艺术凝聚,是从生活中提炼出来的.比如,笑,是高兴、喜悦时的情感体现,哭是悲伤、痛苦时的情感体现.舞台上的笑与哭和生活中的笑与哭有着相似的地方,也存在着不同.舞台上的情感不是生活中情感的完全照搬、模仿,要进行艺术性的提炼,要不然会缺乏艺术的美感,成为原生活的照搬.

歌唱家刘秉义在《演唱〈跳蚤之歌〉的点滴体会》中这样说:“这首歌中有许我含义不同的笑声,有对国王昏庸无有的讥笑,有对跳蚤装腔作势的嘲笑,有讲故事者轻蔑的冷笑,有人民大众大勇于抗暴、愤怒喊出‘捏死它！’以后痛快淋漓的纵情大笑.这些笑声要力求把握准确,使之与前后内容贯穿一致.如果过分夸张,哗众取宠,或是为了追求剧场效果而出洋相、要‘噱头’,那样是演唱这首歌曲最大的失败.”

演员舞台表演中流露的真情是再现生活经验经过艺术加工、创作的感情.如果演员不懂得欢笑,只知道痛苦,是不能很好的表达不同笑声的.只有真实地体验过,才能真实的表现出来.所以,一个成功的歌唱者,要把生活中的情感体验作为一门课程来深入学习、研究,注意观察生活,还能够总结规律,不断地积累起感情素材.演员积累的情感越丰富,越能够有效地表达艺术情感.

艺术源于生活,生活是艺术取之不尽、用之不竭的源泉.只有不断地深入现实生活,在积累感情素材的过程中加强文化和艺术方面的修养,就好像是水库蓄水,你需要用到的时候,会成为取之不尽、用之不竭的源泉.